Josette Taramarcaz, “Maisons montagnes”, sept éléments, Champex-Lac, Béton, métal ©Fabienne Lavenex
Couverture de la monographie, Edition Till Schaap, 2022
La monographie de Josette Taramarcaz rassemble pour la première fois l’ensemble de ses oeuvres, avec des textes des historiennes de l’art, Diane Antille et Julia Hountou, de la critique d’art Françoise Jaunin et de Paul Maret.
Traduction en allemand et en anglais.
Illustrée par 120 photographies. Edition Till Schaap, 2022
Tarek Haddad, The Sixth Day
THE GREAT INVENTION OF OUR TIME
Sergio Pinzón, Tarek Haddad, Zineb Andress Arraki, Juan Arias
10 septembre - 23 novembre 2022
Galerie du Théâtre du Crochetan, Monthey (CH)
Une exposition dans le cadre du programme SMArt, en collaboration avec le Théâtre du Crochetan
"Lors de sa résidence de trois mois (au printemps 2022) dans le cadre du programme SMArt à Monthey (CH), Sergio Pinzón — né en 1988 à Bogotá en Colombie où il vit et travaille — s’est intéressé aux infrastructures touristiques, aux diverses installations susceptibles de susciter des débats d’ordre environnemental et aux aménagements urbains parfois surprenants tels que les murs en gabions qui jalonnent le Valais.
De façon plus cruciale aujourd’hui qu’hier, la question de l’environnement représente un combat quotidien pour nous tous. Les thématiques qu’elle recouvre — pollution de l’air, de l’eau et des sols, dérèglement climatique, disparition de la faune et de la flore… — sont au cœur des enjeux actuels. Nous devons sans cesse interroger notre responsabilité afin de parer à l’urgence écologique. Comment concilier nos besoins et nos ambitions au sein de la société avec leurs conséquences sur le milieu naturel ? Telles sont les problématiques soulevées par Sergio Pinzón lors de son séjour en Valais. (...)
De même, les photographes Tarek Haddad (originaire du Liban), la marocaine Zineb Andress Arraki et le Colombien Juan Arias - également exposés en écho au travail de Sergio Pinzón - montrent, chacun à sa manière, la forte empreinte de l’homme sur notre milieu naturel. ”
Extrait du texte de Julia Hountou, Docteure en histoire de l’Art et curatrice de l’exposition
Vernissage et visite guidée par Julia Hountou, curatrice de l’exposition, le samedi 10 septembre 2022 à 17h30.
La galerie est ouverte du lundi au vendredi de 9h à 13h et de 14h à 17h. + les soirs de spectacles.
Tarek Haddad, The Sixth Day
Wu Yumo, Fallen leaves, 2021, Classical cyanotype mixed media photography
“Je ne demande pas autre chose aux forêts
Que de faire silence autour des antres frais
Et de ne pas troubler la chanson des fauvettes.
Je veux entendre aller et venir les navettes
De Pan, noir tisserand que nous entrevoyons
Et qui file, en tordant l'eau, le vent, les rayons,
Ce grand réseau, la vie, immense et sombre toile
Où brille et tremble en bas la fleur, en haut l'étoile.”
Victor Hugo (1802-1885), Recueil Dernière Gerbe, Posthume, 1902
Affiche de l’exposition
Au cours de leur résidence de trois mois (hiver 2021) dans le cadre du programme SMArt à Monthey (CH), Wu Yumo et Zhang Zeyangping se sont immergés quasi quotidiennement dans la forêt environnante. Posant pour principe une contemplation active, leur travail artistique méditatif prône un retour à la nature qui leur permet de relier l’infiniment petit à l’infiniment grand.
Les deux photographes ont d’abord réalisé in situ un livre d’artiste confectionné artisanalement en Chine à partir de fibres d’écorce de mûrier. Dans ce délicat carnet de voyage, leurs poétiques collages de fleurs et de feuilles retracent la chronologie de leur récolte et leur servent de source d’inspiration.
Wu Yumo, Natural dairy, 2021. Handmade paper and leaves, 60 X 40 cm.
Telle une ode au temps qui passe, les deux artistes ont choisi la technique du cyanotype pour rendre hommage à la nature. À l’heure du numérique, Wu Yumo et Zhang Zeyangping ont préféré cette méthode ancienne qui nous relie au tangible, à contretemps de l’incessante fuite temporelle. L’attente des conditions lumineuses idéales puis la surprenante révélation de l’image invitent à cultiver la patience et à accepter une part d’imprévu. Ce mode d’impression monochrome leur permet de capturer, à même les feuilles pré-enduites de produit photosensible, l’empreinte des végétaux collectés. Portés par la poésie qui les anime naturellement, ils mettent ainsi en valeur les détails merveilleux auxquels nous ne prêtons pas toujours attention.
Wu Yumo, Shining Flowers 02, 2021. Cyanotype photography, 51 x 70 cm.
En se positionnant au plus près de la substance et des structures naturelles, Wu Yumo et Zhang Zeyangping ont également développé la pratique du frottage. Ce traitement, appliqué aux différentes feuilles ou écorces marquées de reliefs irréguliers, nous donne à voir la fluidité de la sève tel un flux qui s’écoule avec force, matérialisant la puissance de la nature.
Wu Yumo & Zhang zeyangping, Sound envelope 01, 2021. Cyanotype photography + sketch, 66,3 x 91,4 cm.
Convaincus que l’expérience de la nature propose l’espace idéal pour repenser le rapport de l’homme au monde et à l’art, les deux artistes réhabilitent l’écoute du règne végétal et sa prise en considération, tel un être vivant dont il convient de prendre soin avec le plus grand respect.
Il est également possible de découvrir leur travail au Grenier à l’occasion de Recover,
la 25e édition des Journées photographiques de Bienne – Bieler Fototage qui interroge les processus de restauration et de réparation à travers l’image, du 06 au 29 mai 2022.
Julia Hountou, Docteure en histoire de l’Art et curatrice de l’exposition
Exposition : Galerie du Théâtre du Crochetan : Avenue du Théâtre 9, 1870 Monthey, Suisse
07 mai - 15 juillet 2022. Entrée gratuite
La Galerie est ouverte du lundi au vendredi de 9h à 13h et de 14h à 17h + les soirs de spectacles
SMArt - Première rencontre avec Wu Yumo & Zhang Zeyangping
SMArt - Deuxième rencontre avec Wu Yumo & Zhang Zeyangping
SMArt - Troisième rencontre avec Wu Yumo & Zhang Zeyangping
Co-organizers｜Foundation for Sustainable Development in Mountain Regions、Swiss Agency for Development and Cooperation - SMArt
Support｜Embassy of Switzerland in China
Address｜Three Shadows Photography Art Centre（155A Caochangdi, Chaoyang District, Beijing）
Michaël Cailloux, Himalaya, 2019, Dessin aux feutres fins numérisé et colorisé
La Galerie du Crochetan est heureuse d’accueillir l’artiste prodige Michaël Cailloux à l’occasion de Luxuriance, sa première exposition personnelle en Suisse.
L’exposition vise à rendre compte du processus créatif de l’artiste tant son travail est fascinant, riche et complexe, en révélant les diverses phases de sa démarche, de ses merveilleux dessins aux feutres fins ou à l’encre de Chine à ses foisonnants papiers peints déployant ses plus belles compositions chromatiques. En effet, Michaël Cailloux est un véritable virtuose. Ses œuvres se déclinent des gravures à l’eau-forte et aquatinte aux « bijoux muraux » ciselés dans le cuivre, en passant par le papier peint, la papeterie fine, les illustrations de livres pour enfants, le textile.
A l’heure où expression poétique et virtuosité technique ont, semble-t-il, perdu de leur portée, Michaël Cailloux imagine un univers luxuriant plein de délicatesse, de sensibilité, empreint d’un raffinement extrême et non dénué d’humour. Ses songeries féériques, magnifiées par un jeu formel et chromatique, reflètent la richesse de son imaginaire, tandis que ses mises en scène ludiques et sophistiquées nous convient à élaborer nos propres narrations en « jouant » avec ses histoires.
Passionné par les insectes, les natures mortes, l’Art Nouveau, Michaël Cailloux exalte le territoire de la faune et de la flore grâce à une palette de couleurs éclatantes. Tel un magicien détenant la clé des secrets enchanteurs, il crée comme si le monde était un perpétuel miracle.
Extrait du texte de Julia Hountou, Docteure en histoire de l’Art et curatrice de l’exposition
Exposition du samedi 18 septembre au Jeudi 23 décembre 2021
Vernissage : samedi 18 septembre, 17h30
Théâtre du Crochetan : Avenue du Théâtre 9 - 1870 Monthey (CH).
Téléphone : +41 (0)24 475 79 11
Horaires d'ouverture : Lundi-vendredi, 9h-12h et 14h-18h. Et samedi dès 14h les jours de spectacle.
Voir aussi sur les sites : Michaël Cailloux / Villa Medicis / Agenda Culture Valais /
Brigitte Lustenberger, Flowers I, Chromogenic print
CURATRICE : JULIA HOUNTOU
Exposition organisée par le Service Culture, Tourisme et Jumelage ainsi que le Service Infrastructures, Mobilité & Environnement de la Ville de Monthey (Suisse)
Brigitte Lustenberger. Le goût des autres ou Elégie en clair-obscur
Extrait du texte de Julia Hountou[1] curatrice de l’exposition
Interroger la photographie dans son pouvoir de représentation revient à formuler la question du jeu entre réalité et fiction. Ainsi, sans avoir recours aux artifices de l’insolite, à l’attirail du bizarre et de l’étrange, mais en usant au contraire de composants du quotidien, Brigitte Lustenberger bâtit une « intrigue » visuelle dont les héros sont interprétés par de faux acteurs, ses modèles auxquels elle attribue des rôles. Ses photographies se présentent en effet comme des mises en scène puisque leurs protagonistes sont appréhendés tels des personnages, selon une approche théâtrale. Elle les dirige avec soin à la manière d’un réalisateur de cinéma, en travaillant avec eux sur leurs gestes et leurs expressions faciales[2]. (…)
L’écoute de l’altérité
Dans l’univers de Brigitte Lustenberger, tout est recherche du dépouillement pour mieux se focaliser sur les visages. La singularité et la diversité de ces derniers est à proprement parler un « miracle »[3]. Pour les magnifier, depuis 2008, elle a élaboré un ensemble cohérent de portraits représentant ses modèles, généralement en buste et seuls, ou en couple lorsqu’ils créent un duo sous forme de diptyque. Elle tente ainsi de saisir l’esprit même d’une rencontre – cette confrontation avec un « autre » et son expérience unique du monde – afin d’en partager l’éternité. Elle sait combien ce genre photographique est par essence un mélange de connivence et de cruauté, destiné à obtenir en un temps succinct l’expression la plus juste et la plus sincère de la vérité du modèle. À la croisée de la matière et de l’esprit, du corps et de l’âme, du visible et de l’invisible, la face exprime les sentiments cachés, les humeurs et les affects. La multitude des expressions échappe à la répétition. Physiologiste de la psyché, la photographe traque et sonde la personnalité d’hommes et de femmes dans leurs attitudes et les inflexions de leur regard, afin de restituer l’irréductible singularité de leur présence.
Mutiques, ils apparaissent dans la pleine intensité de leur être, tous saisis à la lumière naturelle dont Brigitte Lustenberger utilise l’action modelante à la façon d’un sculpteur maniant la glaise, puis qu’elle transcende plastiquement par la perfection des tirages[4]. Ces portraits sont d’autant plus forts qu’ils sont dépourvus de tout attribut et de toute connotation anecdotique. Parce qu’ils ont évacué l’obsession du paraître, ses modèles offrent d’eux une profonde épaisseur, une manière d’être-là, tel le Dasein cher à Martin Heidegger[5]. La plupart témoignent d’une grande qualité d’abandon qui concourt à muer leur visage en lieu d’apparition de l’intériorité ; ils portent en eux une expression grave, existentielle. Même les enfants affichent des linéaments d’une troublante maturité. On ne peut s’empêcher d’être à la fois émerveillé et surpris devant leurs visages à la beauté dérangeante, mêlant insouciance et réflexion.
Captivée par l’absolue splendeur du noir, la photographe dissimule le décor dans l’obscurité totale. Le huis clos du studio apparaît tel un espace vide qui contraint ses modèles à se situer par rapport à eux-mêmes. (…) En annihilant le contexte, Brigitte Lustenberger enquête sur le motif du visage, sur la pure manifestation des émotions. L’arrière-plan sombre tire les portraits vers une abstraction qui absorbe les formes et accentue le sentiment d’introspection. Ainsi fixés par l’objectif, les personnages semblent à la fois proches et lointains, familiers et étrangers. La façon dont ils se détachent sur le noir les auréole tout en les mettant hors d’atteinte. (…)
Brigitte Lustenberger, Flowers XXIX
L’esthétique de la déliquescence
Brigitte Lustenberger organise son atelier tel un cabinet de curiosités, un lieu où elle entrepose et expose ses découvertes. Son intérêt et son goût la conduisent à garder un ensemble d’éléments hétéroclites : des végétaux, des animaux naturalisés, mais aussi des vases et de la porcelaine. Il ne s’agit cependant pas d’un trésor précieusement conservé : bien au contraire, l’artiste se plaît à observer les outrages du temps sur sa collection. Au fil des semaines, les objets se dessèchent, moisissent, se décomposent et se métamorphosent, laissant place à une forme d’expérience du monde qu’elle intègre telle quelle dans sa pratique artistique. Cette approche aboutit à une série de natures mortes : des tulipes mélancoliquement avachies sur une vieille table en bois ou encore une pomme toute ridée. (…)
Dispersées dans l’espace tels des souvenirs égrenés, ces trouvailles recèlent une intense charge poétique et tragique. (…) Au-delà de simples natures mortes, elle en réalise le « portrait », en exaltant leur spécificité et leur puissance occulte. Mises en valeur, elles sortent de l’ombre et s’exhibent pour elles-mêmes, uniques et autonomes. Perméable à leur solitude, délaissées et comme teintées de deuil, elle se plaît aussi à magnifier les déliés des bouquets juste fanés ou littéralement secs d’où surgit un arcane hautement métaphorique. (…)
Ainsi, à travers ses images, Brigitte Lustenberger pose visuellement la question de savoir ce qui dans l’intensité d’un instant retient d’un même souffle la vie et la mort. Elle n’hésite pas à juxtaposer au sein de son dispositif ces deux processus, ces deux espaces-temps opposés : décomposition (fleurs fanées, feuillage desséché) et renaissance, évoquée notamment dans le portrait d’une femme enceinte ou l’image paisible d’un nouveau-né. (…)
Dans ses photographies, nombre de frontières sont questionnées : vie et mort, matière et esprit, cadre et hors-champ, sujet et objet, signe et substitut, réalité et fiction.
Sans accessoire ni décor, sans apprêt ni événement, ses images détiennent un fort pouvoir d’évocation ; leur contemplation nous amène à nous interroger fondamentalement sur les âges de la vie, la solitude, le couple, l’existence… (…) Offrant une approche en même temps universelle et individuelle, le regard qu’elle porte sur notre environnement secret nous livre une belle manière de plonger en nous-mêmes, en essayant de percer à jour l’intériorité des autres. (…)
Brigitte Lustenberger nous confronte à l’inquiétante étrangeté du rapport au corps et à la destinée. Aussi, pour lutter contre la fuite inexorable du temps, elle se met en quête de la singularité des êtres, rejoignant en cela Bruno Bettelheim pour qui « Il n’y a qu’une façon de moins souffrir de la brièveté de la vie : en établissant un lien vraiment satisfaisant avec l’autre. Quand on a réussi cela, (…) on a atteint le point culminant de la sécurité affective de l’existence et on dispose de la relation la plus permanente dont puisse disposer l’homme. »[6] Grâce à son art, la photographe imagine des espaces-temps réunificateurs, selon un acte de « résistance »[7] esthétique. Ses images sans cesse recomposées visent à réinventer toujours de nouveaux liens, à conjuguer les échanges dans leur diversité afin de conférer à l’existence une plus grande amplitude et ainsi la transcender.
JULIA HOUNTOU
Docteure en histoire de l’art et curatrice
[1] Cet extrait de texte de Julia Hountou est issu du livre Brigitte Lustenberger, Still, éd. NEAR, Lausanne & Till Schaap Edition, Bern, juin 2014, 22×17 cm, 80 p. Fr/En./All. (Avec la contribution d’Ariane Pollet) : Infos ici
[2] Elle travaille surtout avec les membres de sa famille, ses amis ou des amis d’amis. Mue par un besoin de contrôle intégral, elle œuvre le plus souvent seule, sans styliste, ni maquilleur ou coiffeur, parfois avec un assistant.
[3] Elle semble rejoindre en cela la pensée de François Mauriac : « Un miracle que nous ne voyons même plus, tellement il est commun, c’est qu’aucun visage humain, autant qu’il en existe et qu’il en ait existé, n’en reproduit un autre. (…) Il n’y a pas un seul vivant qui reproduise exactement et trait pour trait l’un des milliards de visages qui nous ont précédés. Un être humain est tiré à un exemplaire unique et jamais reproduit depuis que le monde est monde. » (François Mauriac, Ce que je crois, Grasset, Paris, 1962, p. 34.)
[4] Elle travaille avec un appareil grand format (Linhof) et des films négatifs 4×5 inch.
[5] L’expression Dasein est un mot composé de l’allemand qui signifie littéralement, « être-là », au sens de « présence » ou « existence ».
[6] Bruno Bettelheim, « Introduction – Lutter pour donner un sens à la vie », Psychanalyse des contes de fées, Traduit de l’américain par Théo Cartier, Robert Laffont, Paris, 1976, p. 22.
[7] « Seul l’acte de résistance résiste à la mort, soit sous la forme d’une œuvre d’art, soit sous la forme d’une lutte des hommes. (…) Il y a une affinité fondamentale entre l’œuvre d’art et l’acte de résistance. » Gilles Deleuze, « Qu’est-ce que l’acte de création ? » Conférence donnée dans le cadre des mardis de la fondation FEMIS, le 17 mai 1987.
FLYER DE L’EXPOSITION :
RÂCLA OU LA RACLETTE ÉLEVÉE AU RANG DES BEAUX-ARTS
Julie Langenegger, Râcla, 2019. Négatif 4’/5’ numérisé, dimensions variables
L’art de la commensalité[1]
« Manger avec… », c’est apprendre à vivre en société, à respecter des règles, des rites et des rythmes, à réfréner ses pulsions en produisant du lien pour contribuer à la cohésion sociale. Le fait de dîner ensemble permet de s’assurer de l’appartenance à un groupe, un milieu, un clan. Le partage de la chère a valeur de rite qui sert à « prouver que nous ne sommes ni des arsouilles, ni des animaux, et que nous formons encore une société humaine. »[2] « L’homme déguste le monde, sent le goût du monde, l’introduit dans son corps, en fait une partie en soi. »[3] Déjà, Claude Lévi-Strauss considérait que la manière dont les gens préparent les aliments[4] est une sorte de langage[5] servant à communiquer, à un niveau inconscient, la structure d’une société.
Les différents sens et fonctions que peut revêtir la nourriture, de même que la place qu’elle occupe dans l’art à travers les siècles, n’ont pas manqué de questionner Julie Langenegger Lachance. Avec Râcla[6], elle revisite le genre classique de la nature morte[7] en lui apportant une touche personnelle qui frappe immédiatement le spectateur. Elle nous offre une représentation classique de la raclette, cette demi-meule de fromage[8] placée sous la chaleur d’un four électrique. Servi avec des pommes de terre, des cornichons et des petits oignons, ce mets typique valaisan se déguste lors des fêtes populaires, accompagné d’un verre de fendant. Ici, le fromage entamé, en train de tiédir, apparaît comme figé dans son « mouvement » de fonte, tandis que les assiettes vides gardent des traces du repas et qu’une empreinte de rouge à lèvres subsiste sur le verre à pied en cristal renversé. Julie Langenegger Lachance saisit ainsi la raclette, tout juste consommée. En immortalisant les reliefs du souper, la photographe s’attache à transmettre un caractère vivant, organique et charnel à la scène et transfigure ce moment fugace en une œuvre pérenne. Contrastant avec la solidité apparente de l’appareil chauffant qui suggère une forme de permanence, la fragilité des fleurs fraîches (pivoines, renoncules, fleurs de cire et chardons), la montre à gousset[9] et la petite souris grise gisant sur le four, au-dessus de la meule, alimentent un propos métaphorique sur l’éphémère, la fuite du temps, la dégradation inhérente à l’existence et l’inéluctable mort. A l’opposé, les plaisirs de la vie symbolisés par le raisin – fruit emblématique du Valais -, la bouteille de vin blanc et la petite flasque d’eau-de-vie offerts au regard peuvent paraître futiles, face au trépas qui attend chacun de nous.
A l’instar des peintres[10] disposant les éléments de leur futur tableau, la photographe obéit aux codes d’une composition soigneusement élaborée préalablement à la prise de vue à la chambre technique 4/5 inch. L’agencement suit un principe de désordre organisé qui vise à produire une impression de naturel à travers la juxtaposition en apparence aléatoire des objets, en réalité placés harmonieusement selon des règles rigoureuses. À la manière des peintures néerlandaises du 17ème siècle, la lumière venant de gauche projette un halo sur cette vision. De par sa place essentielle dans la construction de l’image, le clair-obscur renforce l’atmosphère mystérieuse et souligne textures et volumes en conférant une dimension quasi sculpturale aux éléments. La mise en lumière précise et raffinée magnifie les matières précieuses : souplesse de la nappe en lin, brillance des couverts en argent et de la montre à gousset, transparence délicate du cristal et du verre ou éclat des graciles et élégants pétales de fleurs. Le fond noir qui épure l’ensemble met en valeur par contraste tous les composants. Ainsi sublimée, la demi-meule à la pâte dorée, souple et onctueuse, déploie son volume sensuel, invitant à la gourmandise.
En s’emparant d’une spécialité culinaire du Valais[11], Julie Langenegger Lachance, grâce à une exquise mise en scène, l’élève à un niveau universel, au-delà de ce que ce plat comporte à la fois d’emblématique et de « terrestre ». Telle une Vanité[12] contemporaine qui insuffle au réel une portée allégorique, cette photographie d’inspiration très picturale interroge le subtil point de basculement entre le vivant et l’inerte et invite à une méditation sur le caractère fugitif de l’existence.
Julia Hountou, Docteure en histoire de l’art
[1] Le fait de « partager son repas », de « manger avec ».
[2] François Nourricier, « Éloge des dîners en ville », Madame Figaro, 1er décembre 1990.
[3] (Mikhaïl Bakhtine, L’œuvre de François Rabelais et la culture populaire au Moyen Âge et sous la Renaissance, Gallimard, Paris, 1970.)
[4] Dans l’œuvre de Claude Lévi-Strauss, la nourriture occupe une place considérable.
[5] Un langage dans lequel cette société « traduit inconsciemment sa structure, à moins que, sans le savoir davantage, elle ne se résigne à y dévoiler ses contradictions » (Claude Lévi-Strauss, Mythologiques Volume 3. L’origine des manières de table, Plon, Paris, 1968, 552 p.)
[6] Le mot raclette dérive du patois bas-valaisan « râcla » qui signifie « racler ».
[7] L’expression « nature morte » apparaît en France au XVIIIème siècle lorsque que Diderot parle dans ses Salons – œuvre pionnière dans l’exercice de la critique d’art – de « nature inanimée ». Apparue en Flandre vers 1650, l’appellation stilleven, qui sera ensuite adaptée en anglais pour donner still life, peut se traduire par « vie immobile ».
[8] Une demi-meule de Bagnes 4, importée au Canada depuis le Valais.
[9] La montre à gousset qui appartenait à François Perrin est réglée sur l’heure où il s’est éteint.
[10] La photographe s’est notamment référée à Floris van Schooten (1590-1655), peintre néerlandais du siècle d’or, connu pour ses peintures de natures mortes, telle Nature morte au jambon ; Pieter Claesz (1597-1661), autre peintre de natures mortes néerlandais de la même période, représentant du baroque.
[11] Le Valais est un canton situé au sud de la Suisse.
[12] En peinture, la vanité est un genre pictural, appliqué aux natures mortes, évoquant différents éléments symbolisant la vie, la nature, l’activité et la mort. Ces tableaux ont généralement une grande valeur symbolique et philosophique telle que la Vanité ou Allégorie de la vie humaine peinte par Philippe de Champaigne durant la première moitié du XVIIe siècle.
Julie Langenegger Lachance (1980) Née à Londres, d’une mère Iranienne et d’un père Suisse. Diplômée de l’école de photographie de Vevey, elle occupe ensuite un poste comme assistante à L’ECAL.
Ses suites photographiques, Le Montreux-National, Cow Cow Boogie ou NUANCE, ont fait l’objet de publications (“FLUX, Regards par dessus la frontière”,Infolio, 2009). Son travail est régulièrement publié dans la presse ou en revue (Faces, Hippocampe, BSC News Magazine, ICON Design). Elle vit et travaille actuellement à Montréal. www.jllphotographies.com
Critique d’art, enseignante et commissaire d’expositions, Julia Hountou est responsable de la Galerie du Théâtre du Crochetan en Suisse (www.crochetan.ch). Docteure en histoire de l’art contemporain, pensionnaire à l’Académie de France à Rome – Villa Médicis (2009 – 10), elle a enseigné dans diverses universités et écoles d’art. Commissaire indépendante d’expositions, elle organise depuis 2010 des expositions collectives et personnelles. Elle est également l’auteure de nombreux articles sur la création contemporaine. Depuis 2000, elle publie dans des ouvrages collectifs, des catalogues d’exposition et des revues d’art.
A l’occasion de l’exposition Avant moi le déluge, Magdalena Lamri présente des dessins et des peintures figuratives, deux techniques qu’elle maîtrise avec une semblable virtuosité. Sa pratique artistique l’absorbe, comme dans un rêve éveillé. Face au papier ou à la toile, elle trace et entrelace patiemment des traits plus ou moins denses ou colorés. Une parcelle après l’autre, les motifs clairs-obscurs se nouent et, bientôt, naissent les trames poétiques de ses visions rêvées. Dans son atelier souvent baigné de musique, le frottement des pinceaux ou des crayons sur le support constitue la scansion d’un long poème, ponctué des pauses nécessaires au choix d’une autre mine, tantôt plus grasse, chargée de graphite, tantôt plus sèche. Indispensable à l’artiste, la gomme lui permet aussi d’effacer, de former des blancs, de parfaire, de modeler ses dessins en creux et relief, de sculpter la matière, travailler la végétation, l’écume ou la fumée qui emplissent ses œuvres. Si elle taille cet outil comme un crayon pour « ciseler » les détails minutieux, la gomme « mie de pain » lui permet quant à elle d’absorber les poudres par simple pression dans ses fusains. Magdalena Lamri façonne l’œuvre non pas dans sa forme achevée, mais souvent en mettant l’accent sur sa forme en cours d’élaboration. Le dessin non finito est peut-être la seule issue pour exprimer l’indicible, l’inconnu, la peur ou l’espoir… L’inachevé est alors appréhendé comme œuvre « ouverte », toujours à faire ; création en devenir et à venir dont la dimension processuelle et poïétique prime sur une image définitivement figée. Comme dans une ouverture au monde et aux possibles, les figures s’aventurent dans des paysages qui « s’effilochent » intentionnellement, tout en délicatesse, nous donnant ainsi l’impression de faire irruption dans l’atelier de l’artiste attelée à sa tâche minutieuse. Et lorsque le paysage se mue en page blanche, l’artiste questionne la frontière entre réalité et rêve, selon une magnifique mise en abîme de la création.
En résonance avec sa vie, les œuvres de Magdalena Lamri énoncent l’interférence de deux temporalités : l’histoire de l’artiste ainsi que son rôle de mère et de femme qui s’inscrit dans le cours de son quotidien et le temps « historique ». Ces deux flux cohabitent au sein de ses œuvres et leur insufflent la puissance poétique de ses visions.
Quel monde laisserons-nous à nos enfants ?
Inquiète pour l’avenir de la planète, Magdalena Lamri l’est également pour celui de sa fille et des générations futures. Sa prise de conscience s’est accrue parallèlement à son sens des responsabilités de mère. Conséquences du réchauffement climatique, pollution, pénurie d’eau potable, pollution plastique des océans, déclin de la biodiversité et extinctions de masse, exode… constituent autant de sujets d’inquiétude qu’elle exorcise à travers ses créations. Artiste engagée au sens noble du terme, elle vise à nous interpeller sur des thèmes marquants de l’histoire de l’humanité actuelle. À la surface de ses dessins ou de ses toiles, le graphite et l’huile se font les fidèles échos des défaites de notre société.
De la grâce des nuages aux champignons atomiques
Spectacle naturel inépuisable, constamment renouvelé, les nuages sont un objet de fascination sans fin pour Magdalena Lamri. Concentrant tous les attributs du merveilleux – l’insaisissable, la métamorphose et l’apesanteur – ils nourrissent notre imaginaire en nous délivrant de la gravité et nous reliant à l’infini. Manifestation naturelle combinant tous les contraires – masse, transparence, opacité, vapeur, inconstance, légèreté, profusion… -, ils apparaissent comme un élément métaphysique par excellence. (…)
A travers l’art du nuage, l’artiste se saisit également de la question nucléaire. Les denses panaches de fumée qui s’étirent mollement dans le ciel évoquent les champignons atomiques d’Hiroshima, Fukushima, les nuages radioactifs biélorusses… Aussi grandioses soient-ils, tous dépeignent les catastrophes technologiques et leurs irréversibles conséquences écologiques.
Si elle porte sur le monde un regard empreint de pessimisme, Magdalena Lamri y instille une lueur d’espoir. Symbole du renouveau, gage de la continuité vers l’avenir, les enfants incarnent heureusement le devenir ; ils peuvent être source de changement (si on leur transmet des valeurs de développement durable et d’éco-citoyenneté). Aussi, dans le tableau Rien n’était trop beau pour vous – Vous n’aurez rien III (2019, huile sur toile, 120 x 100 cm.), deux fillettes sont les juges de nos actes. La fille de l’artiste, Lou, tient un marteau, tandis que sur la balance, fleur et explosion atomique sont pesées simultanément. A l’image de la Justice, le doudou a quant à lui les yeux bandés. Ainsi, à travers ses œuvres, Magdalena Lamri nous invite à aider la jeunesse à faire son propre examen de la société. Établir les statistiques du désastre ne saurait suffire. A nos enfants, il nous appartient – nous dit l’artiste – de fournir de nouveaux outils pour accélérer la mutation, déjà amorcée, d’une civilisation à maints égards peu satisfaisante. C’est l’action d’une génération à laquelle nous permettrons d’agir qui dissipera les cauchemars de notre époque et assurera aux hommes un avenir meilleur.
Julia Hountou
Docteure en histoire de l’art – Curatrice de l’exposition
Après avoir étudié les techniques anciennes et contemporaines de la fresque à l’ENSAAMA Olivier de Serre (Paris), Magdalena Lamri choisit, dès 2009, d’écouter les voix de la peinture et du dessin. Depuis, elle multiplie les expositions, en France mais également en Belgique, en Allemagne, en Italie et à Dubaï. Elle vit et travaille à Montreuil (France). Site internet de Magdalena Lamri
EXPOSITION COLLECTIVE DE VISARTE VALAIS / DUOS :
Alban Allegro, Colomba Amstutz, Cécile Giovannini, Agnès Guhl, Tracy Lim, Laurence Piaget-Dubuis, Anne Pitteloud, François Pont, Liliana Salone, Katerina Samara, Michel Stucky, Josette Taramarcaz, Floriane Tissières, Loïc Zanfagna, Isabelle Zeltner-Salamin
"Survivance de sensations, d’impressions, d’idées ou d’événement révolus, la mémoire offre la possibilité d’un retour dans le passé. Réservoir d’émotions et de sentiments, elle constitue le fondement même de l’identité ; aussi, la convoquer revient-il à se retrouver face à soi-même. Dans quelle mesure les artistes utilisent-ils leur art pour bâtir sur les vestiges de leurs souvenirs un sanctuaire allégorique de cette précieuse faculté psychique ? À travers leurs approches singulières, ceux-ci - exposés pour l’occasion - nous dévoilent avec délicatesse, pudeur, poésie, nostalgie, gravité ou humour quelques-unes de ces réminiscences. Puisant dans leur propre histoire, leur parcours antérieur ou leurs expériences artistiques, ils nous convient à respirer de nouveau le parfum d’antan. Les traces ensevelies remontent ainsi à la lumière." Julia Hountou, Docteure en histoire de l’art et commissaire de l’exposition
* Gérard de Nerval s’adressant à son ami peintre Paul Chenavard en 1848.
VISARTE VALAIS : Infos
VERNISSAGE : VENDREDI 31 JANVIER 2020 dès 18H.
Ouverture : Mercredi au dimanche: 15 h à 18 h 30 / Vendredi: 10h à 12h / 15 h à 18 h 30
Galerie de la Grenette, Rue du Grand‐Pont 24, 1950 Sion, Suisse
Exposition : 31 janvier au 22 mars 2020
Graphisme : Chloé Pannatier
Wenhuan Shao, Galaxy Box n°6, Mixed media - photography programmed LED
Invité en Suisse dans le cadre du programme SMART de la Fondation pour le Développement Durable des Régions de Montagne (FDDM), l’artiste chinois Wenhuan Shao (né en 1971 à Hetian, il vit à Hangzhou) a séjourné durant trois mois en Valais lors d’une résidence au Château de Monthey (Suisse).
Après plusieurs semaines d'observation des sommets valaisans, Wenhuan Shao présente sa perspective du paysage alpin à travers son exposition The soften the glow. L'artiste chinois fait le choix d'exposer son travail principalement sur des photos grand format et des "caissons lumineux". Il intervient également sur les images avec des techniques spéciales afin de donner une dimension picturale à son travail. Les images surdimensionnées permettent d’une part de souligner l'impression de force et de puissance de la montagne, alors que les interventions volontaires suggèrent d’autre part la " fragilité " du monde, comme le réchauffement climatique et les catastrophes naturelles.
Curatrice : Julia Hountou
En collaboration avec SMARt et le Théâtre du Crochetan (CH)
Exposition : 19 avril - 12 mai 2019. Vernissage : jeudi 18 avril, 18h
Le programme SMArt est mis en place par la Fondation pour le développement durable des régions de montagne (FDDM), en partenariat avec le Théâtre du Crochetan (curatrice : Julia Hountou)
Wenhuan Shao, Matterhorn
Wenhuan Shao, Peaks
Wenhuan Shao, Le glacier d’Aletsch
Wenhuan Shao, The glow
Wenhuan Shao, Galaxy Box n°8, 2019. Mixed media (photography programmed LED Lightbox),13 x 20 cm.
Vues de l’exposition
Le Nouvelliste
Marie Gailland, Mini noir, 2018. Charbon sur papier, 21 x 15 cm.
Marie Gailland, Mini noir, 2018. Charbon sur papier, 21 x 15 cm.
Marie Gailland, Mini noir, 2018. Charbon sur papier, 21 x 15 cm.
Cette publication marque les 40 ans de carrière de Marie Gailland. Elle retrace l’essentiel de ses vingt dernières années de création en présentant les trois aspects principaux de ce travail. Chacune des parties correspondant à ces trois thématiques comprend une sélection d’une centaine d’images et des textes des historiennes d’art Françoise Jaunin et Julia Hountou, ainsi qu’un entretien avec Véronique Ribordy. Une introduction écrite par Christophe Gallaz, suivie d’un texte plus libre de Benoît Couchepin, ouvrent la publication.
